法国艺术专题展
重新诠释表现形式的优雅
—— Anna Chromy以神话为主题的雕刻
“征服地球”意味着使地球成为上帝的庙宇。把地球献给上帝则能使地球从魔鬼的国度升华为上帝的杰作。
选自 Endokimov《神学之美》
欧洲完美的表现形式
一位蒙着面纱的女郎美丽的身影乍然出现在世人的面前，引起了巨大的反响。在其作品《诱拐欧罗巴》中， Anna Chromy用纯白的卡拉拉大理石塑造了她的女主角。宇宙之主不用再去设想一只温顺迷人的小公牛的模样。神奇的力量在这里变成了一阵澎湃的浪潮，象征着一种朦胧却无法抵抗的意志力。除了手工雕刻且比高纯度的美玉还更透明的牛角之外，该雕塑还有一个水晶般的球体：一只深邃的眼睛，一只具有审美意识能看透历史长河中的悲剧的眼睛。Agenor甜美的女儿欧罗巴现在带到哪里去？等待她的将是什么样的命运？未来她又会怎么样？艺术家们的这些问题，必须追溯到希腊神话的源头，才能预测主人公充满不定因素的未来。
欧罗巴痛苦但勇敢的面对着汹涌的巨浪。古铜色的年轻的冲浪者般的身姿巧妙的向一边倾斜，似乎显示出她要安然无恙到达彼岸的决心，这几乎给人一种凌波起舞的美感。作品给人的第一冲击就是她所显示出来的勇气。欧罗巴精致的五官打上了不幸和灾难的烙印，但她艰苦地凭借意志力用微笑来展示新生。这甜美的微笑揭开了一个长久的谜：这个谜千百年以来一直困惑着西方的审美界。微笑是否抗衡未知的力量？美丽能否又一次战胜至高无上的权势？优雅的风度可否再一次给这个黑暗的不和谐的充满悲剧的时代带来一丝亮色？
从特洛伊的墙壁到 Auschwitz的营地，欧洲的灵魂似乎一直在力与美中的争夺中苦苦挣扎。人类的行为，即生活的艺术，一直旨在给人类创造和谐与和平，并探究人类自身和宇宙的奥秘。这是一种受宗教启发而追求卓越的艺术。与此相反，死亡和战争的艺术一直致力于用残忍的手段获取权利，阻止我们得到神的启示，从而损害了人性的进步。事实上，欧洲整个的历史都摇摆在诗人的创作和毁灭之间。
作为一名女性， Anna Chromy自二战期间出生于她的美丽的故乡波希米亚时开始，就已经深刻意识到了这一现象是多么的矛盾。Kromau这个名字能唤起许多关于光亮和色彩的联想，因为在Anna Chromy看来，它刚好处在和谐与不和谐这两个极端的平衡点上。一方面，魅力和音乐之都布拉格拥有诸多美丽的创作，能逐步有效的平息人类灵魂的冲突；另一方面，Austerlitz则象征着诸多令人厌恶的桎梏。这些桎梏，隐含在大量战争的胜利当中。尤其是在上两个世纪，这些胜利满沾着欧洲人的鲜血，折磨和伤害着欧洲人的心灵。1805年，拿破仑宣称要扩大战争艺术，认为战场不应该只局限在俄国和奥地利。与之相反的是，两百年以后，在Pietrasanta，在同一个地方，Anna Chromy用十年的时间，设计和创作了二十五尊不朽的源自于神话和寓言的雕塑，重新诠释了生活的艺术。
神话的新的表现力
在当今世界的雕刻长廊中， Anna Chromy凭借其对梦境和悲剧的有力阐述，以及对一个动荡起伏的时代的热情，成为了雕塑界一颗璀璨的明珠。她利用人类文明中简单的原形，彻底审视了人类文明的敏感度。同时，像所有天才艺术家一样，她的作品还是自我内心的体现。无论她的灵感是来自于古典或基督教的思想，还是像作品Don Giovanni一样来自现代文学或音乐，神话故事始终是她灵感的源泉。她的每一部作品，都包含着三个决定性的因素。神话带领她在历史的原形中遨游，帮助她找到表现自我的途径，并映射出我们所生活的世界的万千景象。因此，这位女雕刻家，不是简单的告诉我们她内心世界，而是在作品中浓缩了人类文明的精华，并鼓励我们再次去寻找欧洲的定位。
当今欧洲建筑最明显的特征是严重“缺乏象征意义”；只有用诗人的眼光重新审视具有一定精神意义的神话才能提供一种新的视角来弥补这方面的不足。正是因为这个原因， Anna Chromy开始探索遗忘的灵魂。当今世界，最珍贵的艺术应能唤醒人类原形中所蕴涵的感觉和价值。她系统地借助于古代神话，这很可能是最有效的方式，能串起被悲剧、战争和迁徙所切断的历史。正如Joseph Campell所言，我们毫无疑问生活在一个缺乏象征意义的时代，只有像Anna Chromy这样的艺术家才能告诉我们生活蕴涵的启示。
Anna Chromy雕塑囊括了神话和哲学，想象和理智，而不只是单调的公式化的逻辑推理。在这力与美的较量中，Anna Chromy女性的直觉起到了至关重要的作用。一个脆弱优雅的微笑变成了穿越人类时空界限的罗盘中的磁针：既沟通了东方和西方，蕴涵熟悉的大陆中河水的潺潺声和广袤的海洋里未知的怒吼声，还涵盖了今生和来世。她的每一部作品，在这个被重新征服了的灵魂世界里，都具有重大的象征意义。
希腊神话的创新：风格的杂糅
自 1993年Anna Chromy第一部与实物同样体积的作品（即作品LaPieta，这是Anna“献给莫扎特的Don Giovanni”这一系列雕塑的第一部）面世开始，雕塑品和实物之间空间大小的对比就给人们留下了深刻的印象。“空间”这个概念似乎突然被一种梦境般的甚至是超自然的存在所侵犯。这种实物与作品间的巨大落差粉碎了我们的理解力。她否决了结构的完整和一致这个原则，而这种原则是20世纪的先锋派们所倡导并认为极具创新意义的。在Anna Chromy的作品风格中，蕴涵着Brancust主张把所有的表现形式浓缩在一部作品中的理念；包含着Modigliani把哥特式风格和非洲的某些理念杂糅在一起的风格；吸收了Arp富有乐感的表现形式；以及Moore严格参考有机体体积的方式。同时，正如Arturo Martini一样，Anna Chromy在用新的方式再现人类的躯体，总是用雕塑的新的价值观来唤起人们对具体的时间和空间的重视。在这个焦躁不安的时代，每一个雕塑作品都赋予了见证和反抗这个世界的脆弱的功用。
在一百年后，在一个更为困惑更为混乱的年代里，雕塑品能保留一些什么永久性的印记呢？ Anna Chromy的风格包罗万象，无疑是最能引起人们注意的。她作品表面是古铜色，里层却是空的，这一创作理念当然让人觉得其作品不够坚固，但也因此唤起了人们对她的每一部作品的极大关注。她的作品往往包含着一个生动的能搬上舞台的轰动性的人或事，而不是静态不动的，因而能够诠释着生命不可逆转的延续。
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